Antes de conquistar escenarios, Doctor Nativo ya tenía uno mucho más ruidoso, impredecible y honesto: los vagones del metro de Nueva York. Ahí, entre estaciones, anuncios automáticos y miradas distraídas, cantaba para sobrevivir, conectar y probar algo más importante que la fama: la reacción real de la gente cuando la música no tiene filtro ni producción, solo calle.
Hoy, ese mismo artista centroamericano, reconocido por fusionar reggae, cumbia, hip-hop y sonidos ancestrales mayas, regresa con un nuevo capítulo creativo: su EP BarrioKandela. El proyecto expande su propuesta de “reggae-kumbia” con una visión más urgente, política y espiritual, donde el barrio, la memoria y la resistencia cultural se convierten en el centro del sonido. Desde su debut en escenarios como el Lincoln Center en Nueva York, Doctor Nativo ha construido una trayectoria que une lo ancestral con lo contemporáneo sin pedir permiso.
En esta conversación, el artista abre el universo detrás del nuevo EP, su visión sobre identidad, migración y espiritualidad, y la experiencia que marcó sus inicios en la ciudad donde cantaba en trenes para vivir el día a día. BarrioKandela no es solo un lanzamiento musical: es una declaración de origen, resistencia y conciencia colectiva en tiempos de fragmentación global.
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BarrioKandela llega en un momento de crisis global. Desde tu perspectiva, ¿qué está fallando como sociedad y qué papel juega tu música frente a eso?
Creo que lo que está fallando es que nos hemos deshumanizado mucho. Necesitamos volver a la conciencia.
Mi música busca eso. La música de protesta suele percibirse como aburrida, pero nosotros usamos hip-hop, reggae y cumbia para conectar primero con el ritmo, el baile y la energía. Luego la gente escucha el mensaje.
Incluso en lugares donde no hablan español, como Noruega, sienten la energía. Y si hace falta, explico en inglés de qué va el mensaje.
Tu propuesta mezcla espiritualidad maya con sonidos urbanos. ¿Cómo traduces esa herencia para nuevas generaciones?
Empezamos este trabajo en 2011 con comunidades en San Marcos La Laguna, trabajando con hip-hop y lenguas mayas como tz’utujil y kaqchikel.
Así logramos que los jóvenes se reconecten con su cultura. Para mí, la espiritualidad no es algo lejano: es la vida diaria, agradecer, ayudar y conectar con la naturaleza. Eso es lo que transmitimos: que lo ancestral sigue vivo y es parte del presente.
En el álbum hablas de identidad más allá de las fronteras. ¿Qué has aprendido sobre quiénes somos?
“Latino” no nos define del todo. Somos pueblos nativos de Abya Yala.
Como hijo de inmigrantes, siento que debemos soltarnos de la idea de que el dinero o la fama nos hacen mejores. Eso nos separa. Tenemos que volver a nuestras raíces, a nuestras prácticas ancestrales, que siguen vivas y accesibles.
Temas como “Minorías” cuestionan el sistema. ¿El arte aún puede generar cambio real?
Definitivamente. Hay música vacía, pero también hay música con poder para despertar conciencia.
“Minorías” es muy personal. Lo grabé con mi hermana en zonas de migración en Tijuana. Fue una experiencia fuerte, y poco después ella falleció allí.
Eso le dio aún más peso al mensaje. Ser inmigrante es duro, pero también nos hace resilientes.
Has dicho que tu música es una “pachanga con mensaje”. ¿Cómo logras ese equilibrio?
Siendo auténtico. Muchos entran por fama o dinero; yo entré por misión.
Desde niño supe que esto era lo mío. No pretendo ser santo, solo ser real. Y desde ahí conecto con la gente.
Después de este lanzamiento, ¿qué conversación quieres provocar?
Que entendamos que las fronteras son imaginarias, no solo entre países, sino entre personas. La Tierra es nuestra casa y la humanidad es una sola familia.
¿Planes de volver a Nueva York?
Sí. La ciudad de Nueva York fue clave en mi camino. Tocaba dentro de los vagones del metro, especialmente en la línea 1, donde la gente compartía más. Ahí entendí mucho sobre la conciencia y la conexión real.
He tocado en lugares como el Lincoln Center y Central Park. Y definitivamente vamos a volver.
